Praxis se complace de anunciar «Dentro de la espuma», la exposición individual de Macarena Rojas Osterling (nacida en 1985 en Lima, Perú). La muestra estará abierta al público desde el jueves 7 de mayo hasta el viernes 10 de julio de 2026. La recepción de inauguración tendrá lugar en Praxis Gallery, 501 W 20 Street, el jueves 14 de mayo, de 6 a 8 de la tarde.

«Dentro de la espuma»
Por Jenn Ellis

Líneas y lógica sacudidas por el movimiento y la realidad; formas suaves enmascaradas por sus componentes; palabras e ingenio, un juego visual coreografiado por los gestos de vadear y caer en cascada. «In the Whitewater», de Macarena Rojas Osterling, marca la primera exposición individual de la artista peruana en Nueva York, en la Galería Praxis. A través de dibujos, pinturas y esculturas, esta importante muestra desentraña ese instante, ese momento y esa sensación de estar en la ruptura de una ola o, de hecho, en aguas bravas. Metáfora de los momentos tumultuosos, devastadores y a la vez estimulantes de la vida, también habla de los orígenes de Osterling: creció en la costa peruana, en Lima, y se adentraba en el Océano Pacífico como surfista en busca de respiro y renovación. En las piezas de Osterling está arraigada esta tensión entre su formación como arquitecta, que implicaba un rigor y una precisión no expresiva, y su realidad cotidiana como madre de dos hijos, con toda su belleza inesperada, su desorden y sus destellos de juego. Encontrarse con las obras de Osterling es entrar en un mundo de composiciones, de realidades diferentes, amontonadas y superpuestas abiertamente en una sola. Es una dibujante magistral, pero igualmente una escultora, una observadora de lo cotidiano y, lo que es más importante, una expresora de sentimientos. Cruda y conmovedora, pero a la vez delicada y áspera, «Dentro de la espuma» se hincha y se agita, impulsándonos hacia un mundo de complejidad articulada.

En el centro de la práctica artística de Osterling se encuentran sus dibujos. Trazado a trazado, va revelando estos orbes cósmicos que rozan el límite de la anotación musical. En algunos momentos, las líneas se rompen. Se desplazan. Se desvían. A veces «simplemente porque sí», en otras ocasiones porque surge una palabra. A veces son de su puño y letra; otras, de la mano de su hijo. La metodología orgánica de estas obras se remonta a los maestros de Osterling en el Royal College of Art de Londres. Madre de un niño de un año en ese momento, trabajaba, por razones prácticas, en hojas de papel más pequeñas, llevándolas a la universidad y luego de regreso a casa, trabajando en ellas en la encimera de la cocina mientras cuidaba a su bebé. Las pausas, los descansos —la libertad y la necesidad de tomarlos— para responder a las realidades de la vida, quedan patentes en el papel. La página —y las páginas— crecieron con ella y sus hijos. A medida que estos se hacían mayores, todos contribuían, madre e hijos; una línea aquí, una palabra allá, de forma espontánea. El inglés y el español se entremezclan, letras de canciones favoritas de reggaeton —recuerdos de otra vida. Leídas como mapas mnemotécnicos, estas obras están cargadas de recuerdos del lugar donde se crearon, del tiempo que llevó crearlas, de un celo frenético y una ternura emotiva; un intercambio increíblemente generoso entre el universo de Osterling y nuestro mundo más amplio. Los dibujos también se leen como las delineaciones de las olas rompiendo; cómo se precipitan hacia la orilla, suspendiéndose y luego fracturándose, sin límites ni control, solo para retirarse después.

A partir de este registro de obediencia imposible, surge una existencia paralela y opuesta a través de la escultura de Osterling. Realizados en vidrio, estos bloques sinuosos, moldeados y soplados, pertenecen al reino de los asteroides nebulosos o de las formaciones geológicas desenterradas: recuerdos de un tiempo profundo. Vistas junto a los dibujos, parecen evocaciones físicas de las formas celestiales que aparecen en el papel, o de ese instante experiencial en que el agua al romper se detiene: la espuma molecular, cuajándose en la orilla, propagada por la intensidad de una ola que rompe. De hecho, las esculturas parecen congelar el «entremedio»; un instante que se cierne entre la liquidez y la solidez, el control y la liberación, el retener y el abandonar. Su delicadeza y precariedad físicas expresan el encuentro corporal de Osterling cuando se encuentra en el océano; tal como lo describe Osterling, «se hacen eco de la sensación de estar envuelta, tirada y retenida dentro de un medio denso e inestable». A pesar de ser formas fijas, la forma en que captan la luz y la dejan posarse, a la vez que la desvían, les confiere un movimiento innato, sutil, como un recuerdo que se desvanece. En su disposición, sus volúmenes y su presencia, estas esculturas expresan el concepto de que, incluso cuando intentamos quedarnos quietos, por mucho que lo intentemos, sigue habiendo pulsaciones, respiración, latidos… o, de hecho, vida.

Esta sensación de lo corporal se ve aún más acentuada en las pinturas de Osterling. Compuestas por lienzo, dibujos, pintura y emulsión, se asemejan a fragmentos o a una piel que en su día envolvió la obra escultórica y/o en la que se transformaron los dibujos. Delicada pero áspera, su textura evoca la arena húmeda tras el paso de una ola, o los gránulos que acarician y arrugan el cuerpo desnudo. Su escala es importante: al igual que en los dibujos, hay una sensación de transportabilidad práctica, ya que su creación se basa en la intermitencia y la superposición de capas, dejando que una parte se construya, se asiente, solo para volver a reconstruirse. En cierto sentido, esto contrarresta la sensación de estar en las aguas bravas, donde, crucialmente, no hay tiempo para recomponerse; todo sucede a la vez, una cascada y una diatriba de la naturaleza no planificadas, que nos impulsan a su antojo. En su obra más amplia, por lo tanto, las pinturas de Osterling se erigen como una contranarrativa, la quietud aparentemente inalcanzable entre sus dibujos y esculturas, que reflejan cada uno diversos espectros de una realidad en constante movimiento.

Al echar la vista atrás y analizar la práctica de Osterling desde dentro, y al contextualizarla, nos damos cuenta rápidamente de que no pertenece a un único ámbito de la historia del arte. Los dibujos no se inscriben estrictamente en el mundo del dibujo técnico. Por sus motivos repetitivos y su precisión casi calco, se asemejan más al movimiento concreto, con artistas como Lygia Pape, o al arte conceptual y el minimalismo, con figuras como Sol LeWitt. Las esculturas, con su cubismo transformado y sus líneas limpias, recuerdan a un Donald Judd orgánico o, en su juego con la luz, a Olafur Eliasson. Incluso parecen pertenecer al universo del tejido, con referencias a artistas como Anni Albers, o al del humor y la danza, con Miró y Kandinsky. Mientras que las pinturas, con su fluidez rígida y sus capas, se sitúan en el mundo de artistas interesadas en la arquitectura y el cuerpo, como Heidi Bucher. En este sentido, Osterling está creando su propio lenguaje, su propia ruptura de límites: una práctica multifacética que se mueve en el mundo de la expresión corporal y emotiva, la precisión procesal y la articulación conceptual, despojándose del ruido para revelar un núcleo.

En definitiva, «Dentro de la espuma» es una exposición que gira en torno al reconocimiento, la realidad y el proceso. Intensa y real,  atrae con su delicadeza visual y aparente suavidad, solo para revelar un enredo bellamente crudo, alegre y, a veces, doloroso. Al igual que el océano, la exposición y la práctica de Osterling no son tímidas ni apologéticas, ni educadas ni moderadas; tensan la cuerda entre la calma y la abundancia y, como una ola, nos envuelven en su rugido evocador.