Felicitamos a la artista Scherezade García por la presentación de su pintura Harvest of the Sea, exhibida en las nuevas Galerías David Geffen del LACMA, donde ahora forma parte de la colección permanente del museo.

Por Ilona Katzew, Curadora y Jefa del Departamento de Colecciones de Arte Latinoamericano del LACMA:

Este monumental tríptico es una brillante síntesis de las inquietudes de Scherezade García sobre la historia, la hibridez, la migración y la memoria. Artista interdisciplinaria, García se mudó de la República Dominicana a Nueva York en 1986 para estudiar en la Escuela de Diseño Parsons. Su doble identidad como isleña la ha hecho profundamente consciente del papel del océano como elemento de conexión y división entre las personas. El agua se convierte en el escenario de sus composiciones exuberantes y llenas de color, y en un vector de la experiencia diaspórica de su propia comunidad y más allá. Esta «autopista líquida», como la ha descrito la artista, une a las personas, sus esperanzas y sus sueños. Pero este medio fluido también ha facilitado y obstaculizado una larga historia de migración en las Américas —a menudo violenta y peligrosa—, incluyendo el comercio transatlántico de esclavos (que cesó formalmente en el siglo XIX) y, más recientemente, las travesías marítimas de innumerables isleños caribeños hacia Estados Unidos en busca de una vida mejor. «Veo el agua como un obstáculo que debemos sortear y cruzar, como una masa de agua que lleva nuestra historia, nuestros recuerdos, nuestro ADN», ha dicho García.

A lo largo de su carrera, García se ha interesado particularmente en descifrar las capas de historia y personas en Latinoamérica, lo que ella ha descrito acertadamente como una «salvación híbrida». «Todo lo que hago y cómo lo hago es muy coherente con… mi experiencia americana, mi experiencia caribeña», ha dicho García. «Soy consecuencia de algo que fue muy sangriento, pero que también cambió el mundo por completo, lo transformó todo, lo arrasó todo y lo rehizo».

En esta grandiosa composición, el profundo azul cobalto del océano une tres figuras femeninas etéreas pero resilientes a la deriva en el mar. Ancladas por un flotador, un motivo que, junto con los chalecos salvavidas, aparece en gran parte de la obra de García desde la década de 1990 para simbolizar la precariedad de la migración moderna, encarnan las múltiples culturas y geografías que han configurado Latinoamérica en la era poscolonial.

La figura de la izquierda, navegando en un flotador con forma de pato (símbolo del consumismo capitalista y la cultura pop estadounidense), representa la diáspora africana; la del centro, con peineta y mantilla, representa a España y Europa, con su larga historia de mestizaje cultural. Los trazos decorativos evocan la caligrafía árabe, pero se resisten a cualquier forma de alfabetización; es decir, no están destinados a ser leídos ni decodificados con precisión. Finalmente, la figura de la derecha, con tocado de plumas, representa a las Américas. Aunque separadas, se entrelazan mediante una luminosa faja dorada y las olas ondulantes.

Esta interseccionalidad cultural se ve reforzada por el tono canela de las figuras, que, según la artista, resulta de la mezcla de colores específicos —blanco, negro, amarillo, rojo y marrón— y, por lo tanto, es altamente simbólico. En otras palabras, es un color que engloba a todos los demás y representa la unidad —no las diferencias— de la humanidad. Las figuras no son retratos ni arquetipos, sino una amalgama de las mujeres importantes en la vida de García, que ella evoca a través del acto de la memoria.

Las obras de García son meticulosas y gestuales a partes iguales. Construye sus composiciones capa a capa y las infunde energía y movimiento para reflejar el desplazamiento de las personas a través del tiempo y el espacio, tanto física como metafísicamente. La atención que presta al patrón y al color se debe en parte a su formación inicial en diseño de moda en Santo Domingo y a su fascinación por las iglesias coloniales. La artista ha comentado a menudo cómo la Iglesia Católica utilizaba la ornamentación superficial para cautivar a la gente y transmitir su mensaje, y cómo ella misma no es ajena a este tipo de belleza. Sus imágenes recurren a una estrategia visual paralela que combina elementos dispares para crear una sensación de lo que ella denomina «extraña armonía», atrayendo al espectador a su universo. Para ella, esta es una forma de colonizar al colonizador.